“Una microescena es como un laboratorio que te sirve para explorar a fondo una escena de una obra entera” Entrevista a Ferran Utzet



Ferran Utzet, profesor del monográfico Microescenas.

Hace 10 años que empecé a hacer teatro. Fue por casualidad y me cautivó.También soy licenciado en matemáticas. ¿LA CASONA? Tiene un amor por las cosas bien hechas y sabe cuidar de la parte humana de la profesión.


 

Ferran Utzet, director de teatro

 ¿Qué relación hay entre mates y teatro?

Las dos cosas se conectan con el hecho de ser resolutivo y saber encontrar la manera más elegante de resolver los problemas.



¿Qué te gusta más?

El teatro, por supuesto.



Como director…

Sí…me di cuenta que como actor era perezoso y como director daba más de mi. (risas)

¿Qué es una microescena?

Una escena en la que hay dos réplicas por actor. Por ejemplo:

-       Hola.

-       Hola.

-       Fa dues hores que t’espero.

-       Ja ho sé.

Y... con eso qué hacemos?

Cada microescena se puede explorar desde distintos lugares, hay infinidad de maneras de afrontar estas dos réplicas!

...

¿Quién crees que gana en esta conversación? ¿Quién espera? ¿De qué relación se trata? ¿Es una relación de pareja o una relación profesional? Hay muchas posibilidades que van más allá de la primera idea que se te viene a la cabeza, y acompañadas de estados de ánimo muy distintos.

Ahora que lo dices sí...

Y esto es lo que hacemos en el monográfico: planteamos ejercicios que permiten crear otras maneras de enfocar una microescena.

Que consiste en…

Salen dos personas al círculo y se crea un “combate”. Negocian en directo y ante el público. El público ve como se produce la construcción del imaginario, los estímulos que se mandan para ver quién será el fuerte yquién el débil.

¿Cuánto dura?

El primer día 2 segundos. El último, 2 minutos. En este tipo de escena el texto es un bien escaso, con lo cual hay que buscar mucha acción física.

¿Y lo mejor de todo?

La negociación. Los actores van estableciendo los puntos de comunicación y conexión sin hablar. Una microescena es como un laboratorio que te sirve para explorar a fondo una escena de una obra entera. Solamente funciona si entras neutro. No se trata de competir para imponer tu realidad sino de dejarse llevar.

¿Qué se llevará el alumno?

Una gama de ejercicios para explorar diferentes maneras de afrontar la teatralidad.

MIREIA GUILELLA









Eduard Benito, profesor del curso: Memorización de textos y acciones

Tengo 56 años y he aprendido teatro a base de hacerlo. La Casona es una escuela competente, que se toma el aprendizaje del actor muy en serio.

Si te quedas en blanco en el escenario tómate tu tiempo y... busca una acción!

¿Cómo vas de memoria?

Eduard Benito

Por suerte tengo mucha! 

Qué envidia...cuestión de entreno, supongo?

Pues sí. La memoria es un músculo, y como con el gimnasio, cuanto más entreno más preparado.

¿Qué clase de entreno haremos en el monográfico?

Recuperaremos el gusto por la memoria a base de memorizar textos.

Como por ejemplo...

Textos ligeros como el verso, que tiene un ritmo fácil, luego textos cotidianos de lenguaje comprensible, después textos más complicados que contienen palabras difíciles, y por último textos de lengua ajena como el latín.

¿Sólo texto?

No, memorizaremos texto y acciones, que son las dos líneas básicas del actor.

¿Cuál es el objetivo?

Que la persona que se ponga ante un texto sepa bordarlo, que le guste, que se le quiten los miedos, y sepa cómo trabajar.

¿Cuál es la manera de trabajar?

No hay una formula. Cada persona tiene que encontrar su manera. Además hay diferentes tipos de memoria: memoria visual, auditiva, sensitiva, asociada,...

¿Cómo saber cuál es la nuestra?

Cuando empiezas a trabajar tienes que pensar: “Qué retengo mejor: lo que he leído, la estructura que tiene el texto, o lo que siento cuando lo digo?

Ya...pero a la hora de aprenderse un monólogo de hora y media...

Hay que estructurarlo en partes, en bloques, mini bloques, secuencias...Si divides un texto en partes pequeñas es más fácil.

¿Qué me dices del miedo a quedarte en blanco?

Todos la tenemos, incluso los más curtidos. Los 30 segundos antes de salir a escena te dices: “y si no me lo sé?” Pero después de decir la primera palabra el resto sale solo.

¿Siempre?

Alguna vez no...yo me quede en blanco en una ocasión...

Ah...

...y lo salvé con serenidad. Lo peor es ponerse nervioso porque entonces te bloqueas. Esperas, y luego accionas. La acción te llevará al texto seguro.

¿Cuál es tu técnica?

Memorizar en voz alta. Tiene dos ventajas: sabes qué estás diciendo, te escuchas, y el cuerpo también tiene memoria física, se mueve el aparato fonador, con lo cual el cuerpo detecta que después de “mi” vendrá “casa” y así sucesivamente...Lo sublime es llegar al automatismo total en el que no tengas que estar pensando en lo que vendrá. Que salga solo.

¿A quién va destinado el curso?

A todo aquél con problemas de memorización, a actores o personas que tiene que hablar en público.

Por cierto… ¿Qué día empieza?

El viernes 2 de MARZO! Ay…esa memoria… (risas)

MIREIA GUILELLA

SISTEMA LABAN DE ANALISIS DE MOVIMIENTO. Entrevista a Gabriela González

Gabriela González imparte un curso sobre el Sistema Laban del 9 al 13 de mayo. Actriz, directora de Teatro, profesora de Trabajo Corporal para actores y Dirección Teatral en Argentina; dicta cursos de movimiento expresivo y de lenguaje no verbal. Profesora e investigadora en la Facultad de Arte de la Universidad Nacional del Centro de la Prov. de Buenos Aires.

¿Quién fue Rudolf LABAN?

LABAN (15 de diciembre de 1879, Bratislava - 1 de julio de 1958, Weybridge, Surrey) fue uno de los innovadores que surgieron con las vanguardias de principio del Siglo XX. Brevemente… fue un artista multidisciplinario (artes plásticas, danza, teatro) que renovó fundamentalmente la danza y el estudio del movimiento. A medida que sus conceptos se fueron conociendo rebasaron el ámbito de la danza, los actores se apropiaron de ellos, también los pedagogos del movimiento, los especialistas en recursos humanos, los antropólogos interesados en el movimiento de las diferentes culturas, así como los psicoterapeutas.

  

Parecería que el Método Laban es especialmente adecuado para el mundo de la danza ¿cómo se traslada y cuál es su utilidad para el trabajo del actor?

El actor y/o director -como sabemos estos roles suelen ser intercambiables en la carrera de los artistas- trabajan con el mundo expresivo de la persona, trabaja sobre sí mismo y, siempre, con otros. El 80% de la comunicación entre personas pasa por lo no dicho, por el lenguaje corporal. Teniendo en cuenta este porcentaje no hay manera de subestimar la importancia de la educación corporal para el artista de la escena/performer/actor.

Un entrenamiento debe ser permanente a la hora de tratar de comprender, abarcar y bucear en el sutil mundo de la expresividad corporal. Lo que ha aportado el Sistema Laban al entrenamiento corporal del actor es sistematicidad, organización, cierta lógica que permite una puerta de entrada al gigantesco universo de sutilezas que es el cuerpo.

Como directora de teatro y actriz ¿cómo aplicas el sistema Laban?

Gabriela González.

Es una herramienta “transparente” que me acompaña constantemente. Es transparente porque no necesito enseñársela al resto del equipo con el que trabajo, pero me permite adentrarme en las sutilezas de lo que está pasando y que no se dice. Puedo así tener una lectura de lo que pasa a nivel grupal, entre las personas; “ver” el recorrido expresivo no explicitado de los actores; puedo pedir “sutilezas” expresivas que de otra manera se pueden pasar por alto o asociar exclusivamente con estados psicológicos.

Los actores y actrices que realicen tu curso del 9 al 13 de Mayo ¿qué se llevarán en su mochila de conocimientos?

Se llevarán una manera precisa de percibirse en movimiento. La mirada específica que aporta el Sistema Laban permite adentrarse en el conocimiento corporal con minuciosidad y precisión.

Ante todo, más allá de cuánto concepto quieran retener, se llevarán una experiencia de movimiento en la que integrarán la supuesta dualidad cuerpo-mente. Sin juicios de valor sobre la capacidad de movimiento, TODOS tenemos nuestro propio lenguaje corporal, se aborda el trabajo desde el deseo de percibir/se, reconocer/se, abrirse a otros modos de mirar.

Es el deseo y no la capacidad lo que genera el conocimiento.

Aquellos que lo deseen encontrarán que pueden “verse” más claramente: verán tendencias personales, patrones de movimiento propios, profundizarán en el auto-conocimiento corporal. 

5-Es la tercera vez que realizas tu curso en LA CASONA, ¿cómo fueron las dos experiencias anteriores?

Ambas fueron muy positivas, muy intensas y enriquecedoras en muchos aspectos. Ha participado gente con diferentes experiencias de formación y recorridos corporales disímiles; esta variedad lo ha hecho siempre más interesante y desafiante.

De hecho el espacio del curso se transformó siempre en un territorio donde nos sensibilizamos al movimiento, y esto indefectiblemente abre puertas a reflexiones más abarcativas sobre la auto-imagen, la propia expresividad, la capacidad de escucha, la importancia del cuerpo y muchas cosas más. Siempre los intereses de los integrantes del grupo van terminando de dar forma al trabajo que, en definitiva, se hace clase a clase, porque uno aprende cuando pone en juego el interés, el deseo, o la necesidad. En esa necesidad nos encontramos y dialogamos con gente diversa.

Tengo que mencionarlo porque es un orgullo para mi y para La Casona, que una de nuestras alumnas de la primera edición de este curso decidió especializarse en el estudio del movimiento (en el Sistema Laban) a partir de esta experiencia. ¡Que éxito mayor podríamos esperar del curso que ayudar a encontrar el camino a alguien que estaba buscado y no encontraba su lugar! Un regalo que este espacio me ha dado y que atesoro.

Entrevista a Angel Amieva profesor de esgrima escénica y comedia física

Entrevista a Ángel Amieva, profesor de los cursos monográficos:

“¡En guardia! Esgrima teatral” y “Slapstick. Taller de comedia física”

Tengo 42 años y soy profesor de Esgrima Escénica en La Casona desde el 2002. En La Casona me siento querido, valorado y respetado...¿Se puede pedir más? Lo que hace especial a la escuela es esa meticulosidad con cada alumno/actor...similar a la de un virtuoso sastre haciendo un traje a medida.

Esgrima, ¿Para qué? si, seguramente, nunca haremos una obra de espadas…

Primero como excelente trabajo corporal para el actor y segundo, raro es que en una larga carrera actoral no aterrices de una manera u otra en alguna obra del clásico español (Lope de Vega, Calderón, Zorrilla) o Inglés (Shakespeare, Marlowe).

¿Qué aprenderemos?

Los fundamentos básicos del Arte de la Esgrima Escénica a base de ejercicios, juegos y técnicas especificas de la Esgrima.

¿A quién interesa?

A todo el mundo que quiera ampliar conocimientos de una práctica tan antigua como el ser humano  y tan ligada a las artes escénicas.

¿Objetivo? 

El programa del curso está diseñado para conocer la filosofía de las armas y la destreza en el manejo de la esgrima del Renacimiento (s. XVI), los conceptos y códigos de la época, así como permitirnos preparar una pequeña puesta en escena que incluirá un desenlace con espadas.

Suena bien...a parte de esgrima más adelante impartirás el monográfico de Slapstick. ¿Es equivalente a Clown?

No. Slapstick es un tipo de Comedia Física donde las caídas, los tropezones, las peleas, persecuciones y fórmulas cómicas son los fundamentos propios de esta práctica. Dentro de las habilidades del Clown está el conocimiento del Slapstick.

¿Qué aprenderemos? 

Sobre todo a adquirir confianza en la propia creatividad y descubrir la propia comicidad.

¿Cuál es la metodología?

Diversión + recursos cómicos = RISA

¿Bien! Y por cierto…Slapstick, ¿de dónde sale este nombre?

Viene de un instrumento musical compuesto de dos piezas de madera usado en Comedia del Arte para hacer el efecto de sonido de una bofetada, de ahí su nombre Slap=Bofetada, Stick= Palo

Curioso...¿A quién interesa?

A todo aquel, actor o no, que quiera adentrarse en los orígenes de la comedia física y entender como funciona un gag o un sketch en comedia visual.

¿Objetivo?

Conocer las Formulas Cómicas que hacen que un gag, sketch o espectáculo funcionen. Adquirir los conocimientos y habilidades físicas para crear comedia visual (bofetadas, tropezones, caídas, etc..). Preparar nuestro cuerpo físicamente para el lenguaje gestual (precisión, limpieza y dicción del gesto).

¿El humor de hoy en es comparable al de nuestros abuelos y padres que tanto se rieron con Chaplin, Keaton?

Las formulas Cómicas  son las mismas, lo único que ha cambiado es el lenguaje y el contenido de los temas que se parodian actualmente. De echo, una de las primeras formulas que aprendemos es que Comedia es Drama + tiempo. En el 2001 podíamos reírnos de la desgracia del Titanic pero no del 11S. Actualmente podemos reírnos de esa desgracia también.

Mireia Guilella 

¡EN GUARDIA! ESGRIMA TEATRAL. Del 10 al 31 de marzo.

SLAPSTICK. Taller de comedia física. Del 18 -19 y 20 marzo